Découvrir le pastel sec : histoire, matière et outils
Le pastel sec repose sur une tradition ancienne, qui remonte à la Renaissance. Dès le XVIe siècle, des artistes tels que Léonard de Vinci et Rosalba Carriera expérimentaient déjà ces bâtonnets colorés pour produire des portraits vibrants et nuancés. Si la matière première n’a guère changé — des pigments purs liés à une gomme peu grasse —, la variété des couleurs et la qualité du matériau se sont considérablement diversifiées, permettant aux utilisateurs de toutes générations d’explorer le jeu du contraste et des effets avec une liberté sans égale.
Les pastels secs se présentent généralement en bâtonnets, demi-bâtons ou crayons, offrant chacun une sensibilité différente à l’application. Leur texture tendre (voire poudreuse) rend les dégradés et superpositions particulièrement aisés. Le support utilisé, le plus souvent un papier à grain, joue un rôle clé dans l’accroche des pigments et la profondeur des nuances. Enfin, bien que la variété des outils soit limitée — doigt, estompe, chiffon ou pinceau sec —, leur maîtrise participe à la finesse du rendu final et à la qualité des contrastes obtenus.
Utiliser le pastel sec implique d’accepter une part d’aléatoire et de spontanéité. La matière ne se mélange pas comme la peinture à l’huile ou l’acrylique ; elle se superpose, s’estompe, se gratte ou se juxtapose, créant des effets inattendus, parfois subtils, parfois éclatants. Cela en fait un médium tant prisé pour traduire la lumière et la profondeur à travers le contraste et la couleur.
Le contraste au cœur de la composition en pastel sec
Par définition, le contraste désigne l’opposition marquée entre deux éléments, qu’il s’agisse de valeurs (clair/foncé), de couleurs (complementaires ou opposées) ou de textures (lisse/rugueux). En pastel sec, la gestion du contraste est essentielle pour structurer l’espace, mettre en valeur le sujet et attirer le regard du spectateur.
L’un des contrastes les plus décisifs est celui des valeurs. Jouer sur le clair-obscur permet d’intensifier le relief, de donner du volume et d’apporter une sensation de profondeur incomparable. Un pastel composé uniquement de tons moyens risque d’apparaitre terne, tandis que l’alternance de zones très lumineuses et d’ombres denses donne de l’énergie à la composition. Cette gestion subtile de la lumière, obtenue par superposition des pigments puis estompage, permet de créer des effets allant de la douceur d’un portrait intimiste à la vivacité d’un paysage éclatant.
Un autre type de contraste souvent exploité en pastel sec est celui des couleurs. Les associations de teintes complémentaires (bleu et orange, rouge et vert, jaune et violet…) générent une dynamique immédiate sur le support. Leur juxtaposition, ou leur mélange léger par estompage, crée des vibrations optiques qui attirent et retiennent l’attention. Enfin, le contraste de textures — obtenu en combinant touches appuyées et tracés évanescents, ou en alternant couches épaisses et estompages délicats — enrichit la surface de l’œuvre et en accentue la singularité.
Travailler les effets de lumières avec le pastel sec
La lumière est sans aucun doute l’élément le plus subtil à rendre avec le pastel sec, mais aussi le plus gratifiant. Elle donne à la composition son atmosphère, sa clarté ou son mystère. Un ciel de crépuscule, un visage éclairé par la lueur d’une fenêtre, ou encore une nature morte baignée de soleil, révèlent toute leur force grâce à un traitement précis des effets lumineux.
Pour obtenir une lumière réaliste et vibrante, il est essentiel de réfléchir à l’orientation des ombres et à la source principale de l’éclairage. La technique du « réserve de blanc » consiste à préserver les zones les plus lumineuses en laissant visible le grain du papier ou en utilisant un pastel blanc pur à la toute fin du travail. Parfois, quelques touches claires suffisent à faire jaillir un éclat brillant sur un objet, un vêtement ou une mèche de cheveux.
Le pastel sec permet également de travailler les effets de transparence ou de halo lumineux. En frottant délicatement le bâtonnet sur une zone, puis en estompant avec le doigt ou une estompe, on obtient des transitions douces entre lumière et ombre. Ajouter successivement plusieurs couleurs claires, chaudes ou froides, permet d’enrichir la lumière de nuances subtiles, donnant envie au spectateur de plonger son regard dans la composition. « J’ai découvert que la lumière en pastel était différente de tout ce que j’avais pu peindre auparavant : chaque coup de bâtonnet semblait faire vibrer le papier », confie Mathilde, artiste pastelliste depuis 15 ans.
Nuances, superpositions et vibration des couleurs
Travailler au pastel sec offre une liberté inégalée dans la création de nuances et d’effets de couleurs. Les superpositions sont au cœur du processus. Placer un ton sur un autre, légèrement estompé, permet d’obtenir des palettes infinies et d’accroître la profondeur des effets obtenus.
Pour donner de la subtilité et du raffinement à une œuvre, il est conseillé de ne jamais utiliser une couleur sortie directement du bâtonnet sur une grande surface. Chaque aplât peut être rehaussé par l’ajout de teintes proches ou opposées, fondues ou juxtaposées, qui feront vibrer la couleur. Par exemple, superposer un bleu-gris sur un rose pâle produira une ombre douce au rendu bien plus dynamique qu’un unique gris. Ce jeu sur la richesse chromatique est l’une des grandes forces du pastel sec.
L’estompage progressif, réalisé au doigt, avec un outil spécialisé ou un chiffon, permet de fondre les couleurs entre elles, donnant une impression de légèreté et d’équilibre. À l’inverse, la juxtaposition de touches colorées, sans mélange excessif, introduit une vibration optique qui énergise l’ensemble. Cette méthode, employée par les impressionnistes, reste aujourd’hui très prisée dans les paysages et natures mortes : le regard du spectateur perçoit la couleur résultante à distance.
Créer la profondeur et donner vie aux formes
La réussite d’une œuvre au pastel sec repose autant sur la maîtrise du contraste et des couleurs que sur celle de la profondeur et du volume. La perspective, les plans successifs et la gestion des contours sont essentiels pour rendre une scène crédible et immersive.
Pour donner l’illusion de profondeur, il convient de jouer sur l’intensité des couleurs et leur saturation. Les teintes vives et chaudes sont préférées pour les premiers plans, alors que les nuances froides, pâles ou grises sont reléguées à l’arrière-plan. Ce principe, appelé « perspective atmosphérique », permet de faire reculer ou avancer les éléments du décor sans recourir à une construction linéaire complexe.
Les contours participent eux aussi à cette illusion d’espace. Adoucir les bords des sujets éloignés, affirmer ceux du sujet principal, accentue la mise en valeur et la compréhension de l’espace pictural. Enfin, l’alternance d’aplats doux, de légères griffures à sec ou de hachures dynamiques, introduit de la variété et du mouvement dans la composition, rendant chaque forme vivante et expressive.
Techniques avancées et astuces pour des effets uniques
Après avoir exploré les bases, les artistes confirmés se tournent souvent vers des effets plus élaborés pour donner personnalité et originalité à leurs pastels. On retrouve notamment l’usage du « sfumato » pour fondre les contours, le scraping (grattage) pour faire apparaître des détails ou encore la reproduction de textures variées (peau, poils, roches, feuillage) par des gestes rapides et répétés.
Une astuce fréquemment utilisée est d’appliquer une première couche de pastel, puis de la fixer légèrement avant de superposer une nouvelle teinte. Cela évite les mélanges indésirables et permet d’accumuler de multiples effets de superposition. Certains artistes humidifient discrètement le papier à l’aide d’un vaporisateur pour obtenir un effet aquarellé, bien que cette technique nécessite de la dextérité.
Liste à puces rare mais utile :
- Pour des ciels vibrants, alternez juxtapositions franches et fondus subtils
- Pour un rendu velouté, privilégiez le papier Pastelmat ou Velours
- Pensez à « réveiller » les ombres en y glissant des reflets colorés intermédiaires
- Pour des éclats de lumière, utilisez le pastel blanc après avoir fixé la couche inférieure
Chaque artiste forge au fil du temps ses propres procédés et trouvailles, enrichissant sans cesse son répertoire créatif. S’autoriser à explorer, à rater, puis à recommencer, c’est aussi cela la magie du pastel sec.
Émotion, expression et audace : donner du sens à vos pastels
Choisir le pastel sec, c’est aussi choisir un médium expressif, immédiat et vibrant. Le geste y joue un rôle central : il laisse apparaître l’émotion du moment, la spontanéité du trait, la vivacité d’une couleur. De nombreux artistes témoignent que le pastel sec leur permet de traduire en un clin d’œil une impression fugace, une lumière passagère ou un contraste saisissant.
L’audace dans le choix des contrastes, le courage de trancher dans la gamme de couleurs ou de rehausser une zone d’un éclat inattendu, insuffle à l’œuvre une personnalité unique. Parfois, un simple trait de pastel orange suffit à révéler la chaleur d’un coucher de soleil. D’autres fois, c’est le flou d’une ombre intense qui communique la profondeur d’une émotion.
En laissant libre cours à votre inspiration, tout en ayant assimilé les bases de la technique, vous pourrez insuffler à chacune de vos créations une dimension sensible, personnelle et puissante. Les contrastes et effets ne sont alors plus de simples outils graphiques, mais de véritables langages artistiques qui dialoguent avec le spectateur.
